Come rappresentare le stagioni attraverso l'arte: dalla teoria alla pratica con l'acrilico

La luce del sole, che cambia nel corso dell’anno, trasforma il nostro modo di percepire i colori della natura. Ogni stagione, con le sue caratteristiche uniche, offre una tavolozza ricca e variopinta, ed è proprio attraverso la pittura acrilica che possiamo celebrare ogni stagione nella sua manifestazione più vibrante. I progetti in questo libro non sono solo un'opportunità di apprendere tecniche pittoriche, ma anche di avvicinarsi alla bellezza naturale, dando forma e colore a ciò che vediamo.

La pittura stagionale non è solo un esercizio tecnico, ma anche una gioia per l’anima, un modo per connettersi con il mondo naturale che ci circonda. Ogni stagione ha il suo carattere e il suo linguaggio visivo: il freddo invernale, il caldo estivo, il rigoglio primaverile e la decadenza autunnale. Per ciascuna, possiamo utilizzare i principi della teoria del colore e le tecniche apprese per catturare l’essenza di questi momenti naturali.

Nel dipingere le stagioni, la scelta dei materiali è fondamentale. Le pitture acriliche, per esempio, sono particolarmente adatte a questo tipo di lavoro, in quanto si asciugano rapidamente e permettono di sovrapporre i colori in modo dinamico. Tuttavia, la scelta della giusta tonalità di pittura non si riduce solo alla qualità del prodotto. Anche la tecnica di applicazione, la consistenza dei pennelli e l'uso delle giuste superfici di pittura sono fattori determinanti. I pennelli sintetici, più resistenti rispetto ai tradizionali, sono ideali per l’acrilico, mentre le tele pre-verniciate forniscono una superficie perfetta per trattenere i colori e dar vita a dettagli nitidi.

Un altro elemento fondamentale per rappresentare le stagioni è la comprensione della luce e delle ombre, che giocano un ruolo cruciale nell’ambientazione del dipinto. La luce di un pomeriggio estivo, per esempio, è molto diversa da quella di una gelida giornata invernale. La manipolazione delle ombre, che si stendono e si allungano in base alla direzione della luce, è essenziale per creare profondità e realismo. L’importanza di sapere da dove proviene la luce nel proprio dipinto non può essere sottovalutata, poiché aiuta a stabilire l’atmosfera complessiva della scena.

In inverno, ad esempio, la luce di un tramonto tinge il paesaggio di toni freddi, e l’ombra lunga degli alberi si estende sulla neve. L’approccio al colore in queste scene è sobrio ma potente: una combinazione di purpureo e blu può aiutare a definire le ombre, mentre il bianco intenso della neve può essere accentuato con il bianco titanio, creando un contrasto che dà vita alla scena. La neve, che ricopre il paesaggio, è un’altra sfida per l’artista, e l’uso di pennelli appositi per "battezzare" i rami degli alberi con il bianco è una tecnica da padroneggiare per ottenere l’effetto desiderato.

La temperatura del colore è altrettanto importante: i colori caldi (giallo, arancione, rosso) tendono a spingersi in avanti, mentre quelli freddi (blu, verde, viola) si ritirano. Questa dinamica aiuta a costruire la prospettiva e a dare dimensione al dipinto, soprattutto se si vuole suggerire la distanza tra gli oggetti o tra il primo piano e lo sfondo.

Una volta padroneggiata la teoria del colore, come il cerchio cromatico e la sua applicazione nelle varie combinazioni di colori complementari e terziari, l’artista può iniziare a esplorare la ricchezza delle stagioni. Ad esempio, la combinazione di arancione e blu per rappresentare la scena autunnale, con i toni caldi delle foglie che contrastano con l'azzurro del cielo invernale, o l’uso di verdi e gialli per illustrare la freschezza della primavera.

La pittura delle stagioni diventa così un viaggio che non solo coinvolge le tecniche, ma anche una profonda connessione con la natura. Quando si dipinge un paesaggio, si cerca di replicare ciò che è visibile, ma si deve anche interpretare ciò che è invisibile: la sensazione che proviamo nel vedere un paesaggio, l'atmosfera che una stagione evoca. La pittura, quindi, non è solo un atto di riproduzione, ma anche di emozione e traduzione sensoriale.

Un altro aspetto che merita attenzione quando si dipingono le stagioni è il trattamento della luce riflessa. La luce che colpisce le superfici e si riflette su di esse può cambiare completamente l'aspetto di una scena, aggiungendo dinamismo e tridimensionalità. La pittura delle ombre e dei riflessi è una delle tecniche più difficili da padroneggiare, ma è anche quella che può trasformare un dipinto piatto in una rappresentazione vivida e realistica della natura.

Infine, l'uso dei dettagli nella pittura stagionale è essenziale. Le piccole sfumature, come le tracce lasciate sulla neve, le foglie che cadono, o la luce che filtra attraverso gli alberi, sono ciò che dà vita al dipinto e lo rende un'interpretazione unica e personale della stagione rappresentata. Ogni pennellata, ogni scelta di colore, ogni sfumatura contribuisce a raccontare una storia, e l'artista deve saper dosare questi elementi per raggiungere il risultato desiderato.

Come creare un'atmosfera primaverile: il processo di pittura di un paesaggio naturale

La primavera non potrebbe essere rappresentata meglio di un giardino che esplode con glicine sospeso, rododendri e altri fiori dai colori vivaci. Un ponticello che si estende su uno stagno richiama alla mente i giardini di Monet, fungendo da punto focale romantico ed interessante. L'atmosfera di un giorno primaverile si può ottenere con un fondo rosso primario diluito su una superficie di gesso bianco, che dona alla scena una sensazione di coesione e luminosità.

Per iniziare, preparate una tela di 20” × 20” con un lavaggio di rosso primario chiaro. Per lo schizzo iniziale, usate del viola dioxazina diluito per tracciare la posizione del ponticello curvo e degli altri elementi principali. Contornate la vegetazione in primo piano e gli alberi sullo sfondo. Non concentratevi subito sulla precisione, ma stabilite la forma complessiva e la disposizione degli elementi principali. Questo approccio garantirà che la composizione sia ben equilibrata.

Proseguite con pennellate veloci seguendo la direzione dei rami degli alberi e dei cespugli. Iniziate a bloccare le aree di ombra principali usando quattro colori, tra cui il bianco di titanio che aiuta a far emergere i colori più veri. Usate un pennello largo da 1” per stendere rapidamente le aree di ombra, applicando toni di blu, viola e magenta come primo strato. Evitate l’uso eccessivo del nero, che potrebbe smorzare troppo il paesaggio. Piuttosto, mescolate il viola dioxazina con blu oltremare o rosso cadmio per ottenere ombre più profonde.

Lo stagno riflette il cielo azzurro, quindi iniziate a bloccare il colore dell’acqua utilizzando blu ftalo e bianco. Poi, applicate il viola dioxazina per le ombre sotto il ponte e nell’acqua. Cominciate a colorare i verdi degli alberi e della vegetazione, stendendo pennellate veloci seguendo la direzione delle foglie e dei rami. I cespugli di rose fioriti in primo piano, il glicine sul ponte e gli alberi sullo sfondo cominceranno a prendere forma.

Non dimenticate di aggiungere più colore del cielo riflesso nell’acqua, continuando a usare piccole pennellate per indicare i tronchi degli alberi principali con il pennello piatto e bristol. Dipingete il cielo pallido con un tocco di blu ftalo mescolato con il bianco di titanio, mentre le nuvole si realizzano con bianco di titanio miscelato con un po' di blu oltremare. Per il ponte, applicate strati di colore che creano texture, utilizzando rosso cadmio e viola dioxazina.

L’obiettivo finale non è concentrarsi sui dettagli minuziosi, ma piuttosto sull’impressione generale della scena. Continuate a fare pennellate sciolte e suggestive per creare l’atmosfera di un giardino primaverile. Quando dipingete i fiori bianchi, usate un pennello piatto piccolo carico di bianco titanio. Il bianco miscelato con un po' di blu ftalo donerà tonalità di cielo brillanti.

Per illuminare la scena con la luce calda del sole, dipingete i fiori, compresi i fiori di rosa in primo piano e i fiori di glicine che pendono dal ponte. Sottolineate la struttura del ponte con una miscela di magenta quinacridone e bianco titanio. Aggiungere rami di alberi con il viola dioxazina contribuirà a dare maggiore profondità alla scena. Quando il dipinto sembra completo, prendete una pausa e ritornate su di esso il giorno successivo: spesso vedrete che il dipinto, così come l'avete lasciato, risulta migliore di quanto pensavate.

La pittura di un giardino naturale richiede tempo e pazienza. Non preoccupatevi di dipingere ogni singolo petalo o foglia. Se vi concentrate sui giochi di colori, forme e ombre, il risultato finale sembrerà incredibilmente realistico e naturale. Non abbiate paura di utilizzare una varietà di tonalità di verde per arricchire la scena. Le ombre più fredde, come quelle che si creano con il viola dioxazina e blu oltremare, daranno profondità alla scena, mentre le aree illuminate dal sole, ottenute mescolando rosso cadmio e bianco titanio, attireranno l'attenzione su particolari specifici come i fiori e i cespugli.

Infine, per rendere ancora più realistica la scena, non dimenticate di aggiungere un tocco di colore al cielo e di definire la vegetazione in secondo piano. Le zone di luce che emergono tra le foglie degli alberi e le sfumature di verde brillante daranno una sensazione di movimento e freschezza tipica di una giornata primaverile.