Come si costruisce una tavolozza cromatica e si sposta verso l’astrazione nel disegno a pastello

La scelta della tavolozza cromatica rappresenta il primo e fondamentale passo nella creazione di un’opera che mira a un equilibrio tra rappresentazione e astrazione. È importante iniziare con la definizione di colori base, prelevandoli direttamente da osservazioni di natura, sia nella loro luce che nella loro ombra. Qui non si tratta solo di replicare fedelmente ciò che si vede, ma di sperimentare con tonalità insolite, combinando bande di rossi caldi e arancioni con verdi e blu freddi, creando così contrasti ricchi e dinamici che suggeriscono una profondità emotiva oltre l’apparenza realistica.

La solidificazione dei colori avviene mediante l’uso di un panno di carta, che permette di amalgamare le pigmentazioni e di rendere le superfici più uniformi, ma è nel passo successivo che si comincia a spostarsi verso l’astrazione: sopra la base sfumata si sovrappongono segni sciolti e interrotti, ottenendo impressioni luminose che riflettono l’essenza della luce senza la necessità di una descrizione dettagliata. Questa tecnica, tipica dell’impressionismo, contribuisce a smaterializzare l’immagine e a lasciar spazio a interpretazioni personali.

Si suggerisce di andare oltre il riferimento visivo diretto, inserendo nella parte inferiore del disegno colori che non sono presenti nella fotografia originale. Questo atto di libertà permette di ascoltare il disegno stesso, di seguirne il bisogno interno e di trasformarlo in un’opera che comunica non solo ciò che si vede, ma anche ciò che si sente.

Nel rappresentare scenari complessi, come le case su palafitte del Lago Inle in Myanmar, si può applicare una varietà cromatica ampia e vibrante che rompe la monotonia di un colore uniforme, utilizzando tocchi impressionistici sovrapposti per suggerire la rifrazione della luce sull’acqua e la molteplicità di forme che si riflettono sulla superficie. La prospettiva lineare diventa strumento per guidare lo sguardo lungo i tetti e i corpi delle imbarcazioni, mentre la presenza di figure animate crea un punto focale narrativo, infondendo vita e dinamismo all’intera scena.

Comprendere la teoria del colore, dalle relazioni nel cerchio cromatico alle proprietà di calore e freddezza delle tonalità, è essenziale per padroneggiare la costruzione dell’immagine. Il bilanciamento tra colori complementari, l’uso di colori analoghi e neutri, la capacità di stratificare e sfumare i toni per ottenere tridimensionalità, sono tutti strumenti indispensabili che permettono di passare dalla mera riproduzione all’espressione artistica più libera e personale.

La profondità visiva si crea anche attraverso tecniche di prospettiva atmosferica, dove gli oggetti distanti appaiono più chiari, freddi e meno dettagliati rispetto agli elementi in primo piano. Le linee convergenti della prospettiva lineare aiutano a costruire un senso di spazio e movimento, mentre i bordi definiti o sfumati modulano la percezione del volume e della consistenza.

Come Comprendere e Utilizzare il Linguaggio del Disegno: Tecniche e Concetti Fondamentali

Il disegno, nelle sue molteplici forme, è un linguaggio visivo che permette di esprimere emozioni, idee e storie attraverso una superficie piatta. La chiave per creare opere significative sta nella comprensione delle tecniche e dei principi che permettono di costruire profondità, forma e armonia nei lavori. Questi concetti, che vanno dalle nozioni di prospettiva alle tecniche di applicazione del colore, sono essenziali per ogni artista che desideri perfezionare la propria arte.

Un aspetto cruciale per ottenere una composizione equilibrata è l'uso delle linee dei terzi. La superficie del disegno può essere suddivisa in terzi orizzontali e verticali, una tecnica che aiuta a posizionare gli elementi principali in modo armonioso e a creare un senso di equilibrio. Le linee di intersezione, che si formano tra queste divisioni, diventano punti di interesse dove è consigliabile collocare gli oggetti focali. Questo approccio dà struttura e movimento all'immagine, guidando l'occhio dello spettatore in modo naturale.

Un altro aspetto fondamentale da considerare è la prospettiva aerea. In un disegno, la distanza tra il primo piano e lo sfondo può essere enfatizzata tramite l'uso di colori più caldi o freddi, che suggeriscono la profondità. Le ombre, inoltre, giocano un ruolo cruciale nel delineare la forma e nella definizione delle aree di valore. Le ombre non sono solo una questione di tonalità scura, ma anche di forma, poiché le loro forme e intensità possono trasmettere una sensazione di volume e tridimensionalità, se usate con sapienza.

La tonalità è un altro concetto fondamentale da dominare. La tonalità di un colore, che varia dal chiaro allo scuro, è essenziale per la creazione di profondità e volume. La gradazione tonale permette di modellare oggetti e superfici in modo che possano sembrare tridimensionali, anche su una superficie bidimensionale. Inoltre, l'uso del gradiente e della proporzione tra i toni è cruciale per definire la luce e l'ombra in modo realistico. Non è solo una questione di contrasto, ma anche di armonia tra le diverse aree tonali, che contribuiscono a costruire un'immagine visivamente interessante.

Nel contesto della pittura e del disegno, la tecnica del puntinismo (o stipple), che consiste nell'applicare piccoli punti di colore per creare gradazioni tonali e forme, è una delle modalità più affascinanti di costruire texture. Questo metodo è perfetto per creare dettagli delicati e per ottenere un effetto di morbidezza nei passaggi tonali, proprio come accade nei lavori a pastello o nell'uso del carboncino.

Una delle tecniche più versatili nella costruzione di un'immagine è lo sfumato, che può essere realizzato attraverso vari strumenti come il tortillon o il pennello morbido, con cui è possibile sfumare i bordi e rendere il passaggio tra luce e ombra più fluido e naturale. In questo modo, l'immagine prende vita e le transizioni diventano più morbide, aumentando il realismo.

Inoltre, l'uso di colori primari e secondari costituisce la base per l'esplorazione della tavolozza cromatica. I colori primari (rosso, giallo e blu) non possono essere creati mescolando altri colori, mentre i colori secondari (verde, arancione e viola) sono il risultato della combinazione di due colori primari. La comprensione del temperamento dei colori, ovvero la loro saturazione e la purezza, permette all'artista di manipolare l'atmosfera della composizione, scegliendo se rendere l'immagine calda o fredda, vibrante o morbida.

Per ottenere un effetto di realismo maggiore, l'uso della prospettiva lineare è indispensabile. La prospettiva lineare, con il suo punto di fuga, permette di rappresentare la profondità in modo accurato e realistico, facendo convergere le linee parallele verso un punto distante, solitamente all'orizzonte. Questo approccio è fondamentale per l'arte architettonica o per la rappresentazione di scene urbane e paesaggistiche.

La prospettiva inoltre può essere influenzata dal punto di vista scelto: una vista a volo d'uccello, una vista dal basso o una prospettiva normale (alla altezza degli occhi) determineranno la profondità e l'orientamento degli oggetti nel disegno. Questa scelta di visualizzazione deve essere sempre coerente con la storia che l'artista vuole raccontare, poiché il punto di vista trasmette un'emozione specifica allo spettatore.

Infine, per perfezionare la composizione, l'uso di strumenti come il visualizzatore può aiutare a isolare e inquadrare gli elementi significativi di una scena, permettendo all'artista di focalizzarsi sugli aspetti cruciali della composizione senza distrazioni.

La padronanza di queste tecniche consente all'artista di non solo rappresentare il mondo visibile, ma di interpretarlo, creando opere che parlano al cuore di chi le osserva.