Innan du påbörjar ett projekt är det bra att först göra några enkla blandningar på ett scrap-papper för att se vilka kombinationer som intresserar dig mest. Kom ihåg att en begränsad palett fungerar utmärkt och är lättare att applicera! Du kan också blanda olika typer av material. Till exempel kan du kombinera akvarell med flytande bläck och gouache. En blandning av tre olika tekniker kan ge ett fantastiskt resultat.

HÖGINTENSIVA OCH LIVFULLA FÄRGER
Det här porträttet har en glädjefylld och lätt känsla tack vare fluorescerande färger och flytande bläck. Jag ville låta mig själv dras med av slumpen och tillät penseldragen och färgerna att flöda och smälta samman med varandra. Jag var inte särskilt noga med att placera ljus och skugga. Jag ville bara ha kul. Det finns tillfällen när saker och ting inte riktigt ger mening, och det är helt okej. Den här typen av övning är bra för att släppa taget och inte vara rädd för resultatet. Det viktiga är att bara njuta av processen. För den här typen av penseldrag är det avgörande att förbereda färgerna i förväg på din palett, eftersom varje penseldrag måste hållas fuktigt för att kunna smälta samman med nästa. Applicera så många lager du vill. Lek med wet-on-wet och wet-on-dry teknikerna.

BEGRÄNSAD PALETT
För det här porträttet minskade jag färgschemat till grönt, brunt och rosa. Detta färgschema fascinerar mig, där varje färg kontrasterar mot varandra. Jag använde olika tekniker: wet-on-wet, wet-on-dry, och om du tittar noga, ser du att detaljerna i det fluorescerande rosa har en grov, ojämn textur. Detta skapade jag genom att applicera färg direkt från en akvarellfärgpanett, fuktad med väldigt lite vatten. Som alltid applicerade jag först större penseldrag och arbetade sedan noggrant med detaljerna. För bakgrunden använde jag mycket genomskinliga lager och wet-on-wet-tekniken. Detta gör att träden verkar mindre detaljerade och smälter samman med bakgrunden, vilket ger en känsla av avstånd. Kom ihåg: En mycket ogenomskinlig färg verkar närmare, och en mer genomskinlig verkar vara längre bort. Jämför trädet till höger med de till vänster. Vilket verkar närmast dig?

UTVIDGAD FÄRGPALLETT
Det här porträttet är ett exempel på när jag använde flera nyanser för att försöka återge färgerna från referensfotografiet. Jag applicerade metodiskt lager av wet-on-dry för att ge ansiktet volym. Jag blandade kanterna på några penseldrag för att få en mjukare övergång till skuggorna. I andra lämnade jag en hård, omixad kant. När lagret för huden var torrt använde jag en fin pensel för att måla håret med en mycket pigmenterad färg för att ge det mycket energi. Jag lade till en bakgrund med bubblor på flera plan och lekte med färg och storlek. Jag målade de två största bubblorna ovanpå varandra, vilket späddes ut de underliggande lagren lite. Detta gjorde mig inte frustrerad alls—snarare tvärtom, jag gillade det slutliga resultatet ännu mer.

AKVARELL OCH MIXAT MEDIA
I detta kapitel kombinerar vi akvarell med andra material. Jag föreslår flera tekniker för blandat media i övningarna, men känn dig fri att använda eller blanda vilka material du vill. Jag gillar att titta på den här processen som om mitt bord var ett laboratorium för att skapa experiment. Lägg ut alla material du har framför dig. Börja experimentera med hur de blandas samman. Till exempel, vad händer om du använder akvarellfärgen före eller efter blyertspenna? Resultaten kommer att bli ganska olika. Med lite trial-and-error kommer du att upptäcka vilka tekniker som fungerar bättre tillsammans än andra. Du kommer att uppskatta vissa mer än andra, så ge dig själv friheten att leka och göra misstag. Du kan bli överraskad! Dessa typer av övningar är mycket kreativa. De hjälper till att mata vår fantasi genom att inte sätta några gränser och tillåta oss att bryta mot reglerna. Det viktigaste är att njuta av processen och inte oroa sig för resultatet.

AKVARELL OCH BLYERTSPENNA
Det finns två sätt att kombinera akvarell och blyertspenna. Att byta ordning på hur de används förändrar resultatet. Låt oss titta på var och en av dem.

Lektion 1: Blyertspenna först, sedan akvarell
I den här tekniken ritar jag först porträttet med blyertspenna och målar sedan över det med akvarell.

  1. Börja med att använda en blyertspenna för att rita och skugga ditt porträtt. Du kan använda H (hårda) eller B (mjuka) pennor. Jag blockerade först ut figuren och började sedan skugga, börja med de områden som har minst kontrast och fortsätt till de områden med mest kontrast. Jag börjar vanligtvis med hårda pennor och avslutar med att lägga till kontrast med mjukare pennor eller oljebaserade pennor.

  2. När du har skuggat klart, kan du "fixera" blyertsen med ett fixeringsspray som är speciellt designat för detta. För ett billigare alternativ kan du använda hårspray, men det kan förstöra papperet på lång sikt. Eller så kan du välja att inte använda något alls.

  3. Förbered de färger du tänker använda och börja måla wash över varje del av porträttet: ansikte, hår och så vidare. Låt varje färgblock torka innan du går vidare om du inte vill att färgerna ska blandas.

  4. I nästa lager av färg kan du definiera detaljer och lägga till färg på läppar, ögon, näsa, öron och hår.

  5. Jag ville ge djup åt porträttet genom att skapa en bakgrund. Jag simulerade ett landskap med lösa penseldrag och gradienter.

  6. Slutligen, för att skapa ett enkelt randigt mönster på skjortan, lade jag till tjocka linjer genom att trycka penseln mot papperet.

Lektion 2: Akvarell först, sedan blyertspenna
Den andra tekniken är att måla med akvarell först, och när det torkar, lägga till skuggor och detaljer med blyertspenna, vilket ger ett helt annat resultat.

  1. Börja med att rita konturerna och detaljerna i ansiktet med blyertspenna. Jag använde en hård 2H blyertspenna.

  2. Måla en jämn färglager över hela ansiktet. Jag brukar lämna ögonen omålade för att behålla det vita från pappret. Innan det här lagret torkade applicerade jag vit bläck på de ljusa områdena (wet-on-wet). På så sätt integreras den vita bläcket i färglagret.

  3. När detta lager har torkat, applicera ett andra färglager i de skuggade områdena: öron, ögonlock, näsa och ansiktskonturen.

  4. Jag applicerade ett tredje lager av färg för att få fler skuggor och lägga till mer volym i ansiktet. Med en fin pensel detaljera ögonbryn och ögon.

  5. Följ samma process för håret, lämna ljusa områden från papperet på vissa ställen. I andra delar applicerade jag mer färg med wet-on-wet-tekniken.

  6. Jag blandade vit bläck med lite gult för de ljusa områdena.

  7. Jag använde en hård blyertspenna för att skapa skuggor och lägga till detaljer till ögon, näsa och öron.

  8. Slutligen använde jag en mekanisk blyertspenna (2B) för att skapa kontrast där jag ville dra uppmärksamhet.

PORTRÄTTET ÄR KLART. Området runt porträttet lämnades tomt eftersom referensmodellen hade en framträdande vit bakgrund, och jag ville inte ha några distraherande element. Färgschemat består av varma, höstliga nyanser. För att lägga till en liten mängd färgkontrast applicerade jag starka, mättade färger på hårbandet. Detta bröt upp monotonin i de jordnära färgerna.

AKVARELL OCH INDIANSKT BLÄCK
Akvarell och indiskt

Hur transparenta lager skapar kontrast och djup i akvarellporträtt

Att använda transparenta lager ovanpå varandra skapar nya nyanser och djup i akvarellmålningar. Genom att arbeta med denna teknik, där vi applicerar färg på torra ytor, kan vi skapa mångfacetterade effekter i våra porträtt. Låt oss gå igenom processen steg för steg.

Först börjar man med att spåra konturerna av motivet. Jag använder ofta en 2H blyertspenna för att hålla linjerna subtila och lätt avlägsnade. Därefter appliceras den första färgen: Cerulean Blue. Jag använder en rund pensel med hög nummer för att kunna lägga till tillräckligt med färg för att skapa en tvätt. Denna första färg används för att definiera skuggor på motivet. När färgen torkar är det viktigt att ge den tillräcklig tid att sätta sig så att inte färgerna blandas med nästa lager.

Nästa steg är att lägga till ljusare områden, som kan uppnås med Cadmium Yellow. Denna applicering ger en kontrast mot skuggorna och hjälper till att skapa djup. Efter att det första lagret torkat fortsätter jag med en tredje nyans, Quinacridone Magenta, som används för att markera de mellanliggande skuggorna och dra porträttet samman. Resultatet av dessa tre lager på pappret kan ge upphov till färger som blandar sig till gröna, violetta och orangea nyanser.

Det är viktigt att notera att när lagren torkar och man upprepar dessa steg, kan man fokusera på antingen ljus eller skugga för att skapa mer kontrast. Detta skapar en större dynamik och känsla av realism i porträttet. Det är också möjligt att lägga till färg till bakgrunden med samma nyanser för att ge ytterligare balans och harmoni till verket.

När alla lager har torkat kan man använda en fin pensel och indiskt bläck för att noggrant rita över konturerna. Denna kombination av akvarellens transparens och bläckets opacitet ger en stark kontrast som gör porträttet ännu mer dramatiskt. Det är här som man verkligen kan fånga den detaljerade karaktären i motivet. Man kan experimentera med olika penseldrag för att skapa intressanta linjer och strukturer.

Det är också viktigt att använda bläck som är både vattentåligt och permanent. Om man använder bläck som inte är permanent, kan den färgade akvarellen blanda sig med bläcket och förstöra resultatet. Tänk på att även om flera lager av akvarell kan ge ett fantastiskt resultat, kan ett enda lager också ge en intressant och fullständig effekt.

När man arbetar med akvarell och indiskt bläck, kan man skapa en helt annan effekt om man använder en blöt teknik, där man applicerar bläcket på ett redan fuktigt lager av akvarell. Detta ger bläcket möjlighet att flöda fritt och skapa oväntade former och texturer. Det är en teknik som tillåter mer spontanitet och experimenterande, där man inte behöver oroa sig för att göra "fel".

En annan teknik som kan vara värd att utforska är att använda blekmedel i kombination med bläck och akvarell. När man använder blekmedel kan det skapa intressanta effekter, såsom att få bläcket att lösas upp eller att öppna upp ljusa områden i målningen. Det är dock viktigt att vara försiktig med blekmedlet, eftersom det kan skada penslar och material om det inte används på rätt sätt. För bästa resultat bör blekmedel blandas med akvarell eller bläck på en separat palett, och man bör undvika att blanda det direkt i sin akvarellpalett.

Blekmedlet gör det möjligt att skapa en textur och kontroll över bläckets flöde som man inte får med vanligt vatten. När det används på akvarellfärger, kan det skapa intressanta kontraster mellan de mörka, intensiva partierna av bläck och de ljusa, nästan vita partierna där blekmedlet har tagit bort färgen. Denna metod ger ett väldigt dramatiskt och grafiskt resultat, perfekt för att skapa starka ljus- och skuggeffekter.

Vid användning av akvarell och gouache, skapas en mer opak effekt som kan användas för att tona ned genomskinligheten i akvarellen. Gouache ger mer täckande färger, vilket är användbart för att skapa pastelltoner eller ljusare partier som behöver mer intensitet. När man blandar gouache med akvarell kan man skapa en djupare och mer komplex färgpalett, där vissa områden behåller sin genomskinlighet medan andra blir mer solida och kraftfulla.

För att sammanfatta, att arbeta med akvarell i flera lager är en mycket effektiv teknik för att skapa kontrast och djup i porträttmålningar. Genom att kombinera olika material som bläck, gouache och till och med blekmedel, kan man utveckla en individuell stil och skapa porträtt som verkligen fångar betraktarens uppmärksamhet med sina färger och texturer. Varje teknik har sina fördelar, och när de används på rätt sätt, kan de ge otroliga resultat.

Hur man skapar en levande och djup porträttmålning med akvarell och blandade tekniker

Akvarellmålning är en mångsidig och uttrycksfull teknik som tillåter konstnären att skapa djupa och levande porträtt. För att åstadkomma ett porträtt som känns både rent och stiliserat, men samtidigt har djup och dimension, är det viktigt att använda olika lager och tekniker för att skapa skuggor och konturer. Här kommer vi att gå igenom processen med att skapa en enkel men ändå detaljerad porträttmålning med akvarell, blyertspennor och olika metoder för att skapa kontraster och texturer.

Först börjar vi med att skissa upp ansiktets grundformer med blyertspenna. Det är viktigt att använda en mjuk blyertspenna för att inte lämna för starka linjer som kan påverka akvarellens transparens. Skissen bör vara lätt och tydlig, så att de viktigaste linjerna och proportionerna syns klart. Därefter appliceras en baslager av akvarellfärg för att lägga grunden till ansiktstonerna. Detta lager görs vanligtvis i en kall nyans, som blått, då blått är det mörkaste på färghjulet. Det ger en fin grund för de skuggor som senare ska byggas upp.

När baslagret har torkat, blandas hudtoner på paletten. Här är det viktigt att ha scrappapper nära till hands för att experimentera med nyanser och hitta rätt balans av färger för huden. Applicera detta andra lager på ansiktet och var noga med att reservera områden för höjdpunkterna genom att inte måla över dem. Den tredje färglagret ska vara något mer intensivt än det föregående och ge ansiktet mer djup och liv. För de ljusaste partierna, som kindben eller näsrygg, kan du lägga till en lättare nyans som gul för att få en naturlig lyster.

När dessa första lager är på plats, kan du börja skapa kontraster genom att lägga till mörka skuggor runt ögonen, näsan och munnen. Akvarellens transparenta lager skapar glaseringseffekter som dämpar områden och gör att de mörkare nyanserna kan ge volym och dimension. För att skapa ännu mer djup, applicera flera lager av skuggning tills de mörka områdena känns naturliga och väl integrerade med de ljusare partierna.

När akvarellen har torkat kan du börja återhämta ljusa områden på papperet. Detta görs genom att använda en pensel med styva borst och en liten mängd rent vatten. Skrubba försiktigt på de områden där du vill återställa papperets vithet, som på höjdpunkterna i ansiktet, för att lyfta ut detaljer och skapa kontrast mot de mörkare skuggorna. Denna teknik används även på håret för att skapa definition och livfullhet i de ljusaste delarna.

För att göra porträttet mer levande kan du använda olika medier för att skapa kontraster. Om du vill ge en mer organisk känsla kan du prova att använda kolpulver som bas, vilket ger en mjukare, gråaktig ton i ansiktet. För att applicera kol används en bomullspad eller en knådad suddgummi för att skapa mjuka övergångar och definiera ansiktsdragen. När du sedan lägger till akvarellens lager ovanpå detta, kommer kolens mörka toner att ge en fin kontrast mot den transparenta akvarellen och skapa en intressant textur.

En annan teknik som kan användas är att arbeta med metalliska akvareller, som ger en fantastisk glans och lyster till målningen. Metalliska färger fungerar bäst på de områden du vill framhäva, som håret eller vissa detaljer på kläderna. Efter att ha målat ansiktet och kroppen i traditionella akvarellfärger, applicera metallisk akvarell på de delar som ska sticka ut och få en dramatisk effekt. Det resulterande måleriet blir både levande och överraskande.

För mer experimentella resultat kan man använda akvarell med släta och slumpmässiga färgövergångar. Denna teknik kräver att papperet hålls blött för att färgerna ska kunna flyta och blandas utan att torka för snabbt. Genom att använda dropper för att applicera färg på det blöta papperet skapas intressanta gradienter där färgerna smälter samman på ett oväntat och vackert sätt. Denna process är perfekt för att skapa spontana och kreativa porträtt där inget resultat är förutsägbart.

Att arbeta med olika tekniker inom akvarell ger konstnären möjlighet att utveckla sin egen stil och uttrycka sig på ett sätt som kombinerar precision med kreativitet. Det är viktigt att experimentera och vara modig när du arbetar med olika färger och metoder, eftersom varje lager ger nya dimensioner och effekter till det färdiga porträttet. Genom att lägga till detaljer som linjer i skjortkragen eller ögonens konturer med färgade blyertspennor, kan du ge porträttet en skarpare, mer definierad karaktär.

Det är också viktigt att förstå hur färgens transparens påverkar det slutliga resultatet. En av de mest kraftfulla effekterna med akvarell är förmågan att skapa djup genom att arbeta med tunna lager och glaserade färger. Tänk på att alla lager bör vara tunna och målas med omsorg för att inte förlora transparens och ljus. Experimentera med olika tekniker för att få fram just den stil och känsla du önskar i ditt porträtt.

Hur man digitalt bearbetar akvarellporträtt för att skapa en realistisk effekt

När du har skapat din akvarellporträtt och utfört de grundläggande skisserna som du vill inkludera, är nästa steg att skanna bilden för vidare bearbetning. För att säkerställa att du kan reproducera eller använda verket för kommersiella och redaktionella syften är det viktigt att förstå hur du kan redigera din bild. Ett grundläggande grepp om Photoshop är användbart, och det finns en mängd olika inställningar som programmet erbjuder. Här kommer en förenklad version av processen för att hjälpa dig att snabbt och enkelt skapa en mer realistisk och detaljerad bild.

Först och främst, när du skannar din bild, se till att du ställer in din scanner på minst 300 dpi (punkter per tum) för att säkerställa att upplösningen är hög och att kvaliteten inte påverkas. För onlineanvändning kan du minska detta till 72 dpi, men då bör du även arbeta i RGB-färgsystemet (röd, grön och blå). Om du planerar att skriva ut bilden är det bäst att arbeta i CMYK-systemet (fyra färgmodeller). När du öppnar din skannade bild i Photoshop, kan färgerna vara felaktiga beroende på scannern, så det är viktigt att börja med att justera bilden.

En av de första åtgärderna jag vidtar är att korrigera färgerna genom att justera skuggor och ljus. För detta går du till Image → Adjustments → Levels och gör de nödvändiga justeringarna för att rätta till färgerna. Jag brukar dra reglaget från vänster till mitten för att mörka akvarellen, eftersom skannern ofta gör bilden alltför ljus. Om du märker några oönskade fläckar på bilden kan du använda raderverktyget för att ta bort dessa imperfektioner.

För att finjustera färgerna ytterligare går du till Image → Adjustments → Selective Color, där du kan justera specifika nyanser. Detta görs intuitivt tills du är nöjd med resultatet. För att behålla originalbilden och undvika permanent ändring kan du skapa ett justeringslager genom att gå till Layers → New Adjustment Layer.

Vidare kan det vara användbart att justera mättnaden, särskilt om färgerna på den skannade bilden är för livliga. Detta görs genom att gå till Image → Adjustments → Hue/Saturation och justera reglaget för mättnad. Genom att sänka mättnaden får du en mer dämpad och naturlig färgton som kan passa bättre för vissa konstnärliga uttryck.

En av de bästa funktionerna som jag gillar är att ge din akvarell en texturerad effekt. Du kan antingen skanna dina egna papper eller kartong, eller hitta texturer online. Om du planerar att sälja ditt arbete, rekommenderas det att investera i högkvalitativa texturer. Öppna texturfilen och kopiera och klistra in den i din bild. Rasterisera detta lager så att det omvandlas till pixlar och kan redigeras. För att göra detta, högerklicka på lagret och välj Rasterize Layer. När texturlagret är på plats, ändra lägen till Multiply så att lagret blir genomskinligt, vilket gör att alla lager nedanför får en texturerad effekt.

För att ytterligare berika din bild kan du lägga till andra grafiska element, som till exempel en handritad gren med blad. Detta kan göras genom att klistra in den som ett nytt lager, rasterisera det och återigen ändra läget till Multiply. Genom att justera storleken med Edit → Transform → Scale kan du positionera det exakt där du vill ha det.

Det är också möjligt att skapa egna färg- och texturskyggor för att ytterligare berika porträttet. Skapa en bildbank med dina egna akvarellfläckar och lägg till dem till porträttet för att ge mer färg och skugga. I mitt fall använde jag en akvarellfläck för att ge mer färg till håret och en lätt skugga på ansiktet. När detta är gjort kan du använda samma metod för att rasterisera lagret och justera det efter behov.

En annan användbar metod är att skapa ett justeringslager för att samordna alla nyanser i porträttet. Detta hjälper till att ge en enhetlig ton och gör att alla lager samverkar bättre. När allt detta är klart har du skapat en förfinad version av ditt akvarellporträtt.

Kom ihåg att denna process kan göras på många olika sätt, och du kan experimentera med fler lager och modifieringar. Det är just denna utforskning och processen i sig som gör det hela roligt och lärorikt.

Hur man använder färg och material i akvarellmålning: En guide för konstnärer

Akvarellmålning är en konstform som låter kreativiteten flöda fritt, men att förstå och bemästra de olika teknikerna och materialen är avgörande för att skapa konst som verkligen uttrycker sig. För att hjälpa till på den här vägen är det viktigt att känna till både de verktyg som används i processen och de teoretiska grunderna, som färglära och komposition.

Maskeringstejp är ett användbart verktyg för att fästa och sträcka ut papperet innan man börjar måla. När man arbetar med lösa ark kan tejpen hjälpa till att hålla papperet på en yta, som ett bord eller en kartong, och ge en stabil grund för arbetet. Maskeringstejp används också för att skapa raka linjer eller för att reservera ljusa färgtoner.

Kraftpappers-tejp fungerar på ett liknande sätt men är särskilt användbar när man arbetar med att sträcka papper på en board. Tejpen måste fuktas för att aktivera limmet, vilket gör att det fäster ordentligt på papperets kanter. Innan målandet påbörjas måste papperet vara helt torrt, och för att säkerställa en skarp kant skärs tejpen bort efter torkning.

En sprayflaska fylld med rent vatten är ett ovärderligt redskap för att hålla din akvarellmålning fuktig längre, vilket är särskilt användbart när man arbetar med större ytor eller när man vill aktivera färg från akvarellpallar. Sprayen kan också användas för att skapa intressanta effekter på papperet genom att fukta ytan innan färgen appliceras.

En svamp, antingen en specialsvamp för akvarell eller en vanlig badsvamp, är ett verktyg som ger många kreativa möjligheter. Svampen kan användas för att skapa ljusa färgnyanser eller för att applicera både vatten och färg på ett sätt som ger textur och mjuka övergångar. Den är också användbar för att skapa effektfulla bakgrunder.

För att påskynda torkningsprocessen kan en hårtork vara ett bra alternativ. Speciellt när tid är en faktor, hjälper hårtorken till att snabbt torka vattnet och tillåta nästa lager eller teknik att appliceras. Det är ett av de enklaste sätten att hantera torktiden och fortsätta måla utan lång väntan.

För att skapa en optimal arbetsmiljö är det viktigt att organisera din arbetsyta på ett sätt som stimulerar kreativitet. En välorganiserad plats ger dig friheten att arbeta utan distraktioner och skapar en balans mellan ordning och kaos. För bästa resultat bör du försöka arbeta på en plats med naturligt ljus, då artificiellt ljus kan påverka hur du uppfattar färger. En annan viktig vana är att tvätta händerna innan du börjar måla för att förhindra att oljor och smuts från dina händer smutsar ner papperet.

Att ha flera behållare med vatten till hands är också avgörande. Ett rent vatten kan användas för att skapa tvättar eller sudda ut färger, medan ett smutsigt vatten används för att rengöra penslar. För att skapa färgblandningar på en keramisk palett är det också bra att hålla paletten ren, eller ibland använda resterna från tidigare blandningar, beroende på vilken effekt du önskar.

När du väl har ordnat dina material är det dags att dyka in i färgens värld.

Färger är mer än bara visuella element. De väcker känslor och har en kraftfull förmåga att kommunicera. För att bemästra färg i konstnärligt skapande måste man förstå hur färger fungerar i relation till varandra. Att kunna använda färger med avsikt snarare än slumpmässigt gör en stor skillnad i slutresultatet. En bra förståelse för färghjulet, kontraster, harmonier och färgscheman gör att du kan skapa mer tilltalande och uttrycksfull konstverk.

Färg har tre huvudattribut: nyans, mättnad och värde. Nyansen refererar till själva färgen, till exempel alla nyanser av gult är en gul nyans. Mättnad anger färgens renhet, där en hög mättnad innebär en mer intensiv färg. Färgens värde handlar om hur ljus eller mörk en färg är och hur den uppfattas i förhållande till andra färger.

Färghjulet är ett ovärderligt verktyg för att förstå hur färger förhåller sig till varandra. Primärfärgerna (gult, rött och blått) är de grundläggande färgerna, medan sekundärfärger (orange, lila och grön) skapas genom att blanda två primärfärger. Tertiära färger blandar en primärfärg med en närliggande sekundärfärg, som exempelvis blå-grön.

Det finns flera harmonier eller färgscheman som kan skapa estetiska och balanserade kompositioner. Monokromatiska färgscheman använder en enda färg och variera dess värde. Analogiska färger är de som ligger nära varandra på färghjulet och ger en harmonisk känsla utan kontrast. Triadiska färger är tre färger som ligger lika långt ifrån varandra på färghjulet och ger en mer dynamisk komposition. En annan populär kombination är split komplementär, där du använder en färg tillsammans med de två färgerna som ligger bredvid dess komplementärfärg.

För att skapa ännu mer spännande kompositioner kan du experimentera med kontraster. Forskning kring färgkontraster, som Johannes Itten beskriver, visar på sju huvudsakliga kontraster: kontrast av nyans, ljus-mörk kontrast, kall-varm kontrast, komplementärkontrast, simultan kontrast, kontrast av kvalitet och kontrast av kvantitet. Genom att leka med dessa kontraster kan du skapa konstverk som verkligen fångar betraktarens uppmärksamhet.