No modelo de Le Brun para gerar arte, o processo pode ser resumido como uma fase de treinamento na qual os sentimentos são convertidos em conceitos linguísticos, para os quais equivalentes visuais são desenvolvidos (baseados em treinamento supervisionado e vieses indutivos), seguidos por uma fase de inferência, onde o modelo é capaz de gerar novas obras de arte com base nas funções que extraiu durante o treinamento (Alpaydin, 2016; Kelleher, 2019). Um exemplo de como a academia francesa utilizou esse modelo após o treinamento foi o prêmio anual de arte, o Prix Caylus (iniciado em 1759), que testava a capacidade dos alunos de representar emoções específicas. As regras do concurso ditavam que os alunos deveriam desenhar ou modelar a partir de um modelo vivo (uma pessoa à sua frente) que expressasse uma emoção, como, por exemplo, em 1759, “maravilha” misturada com “alegria” e, em 1760, “aflição”. Conforme explicado por Montagu, o tema deveria ser retirado de “mitologia ou história, como Dido morrendo na pira funerária, ou Vênus lamentando Adônis, de forma que o aluno deveria entender a motivação da expressão, e o trecho relevante deveria ser lido para os concorrentes” (Montagu, 1994, 95).

Assim, dois tipos de prompts textuais estavam em ação: o prompt emocional (a tarefa explícita do concurso) e o texto histórico/mitológico, que atuava como um tipo de prompt suplementar incorporado, guiando os alunos na direção correta, auxiliando-os a navegar em suas possibilidades criativas (espaço latente). Para os estudantes do concurso, a forte orientação textual funcionava como um filtro algorítmico através do qual o modelo vivo à sua frente deveria ser estudado e retratado. Dessa forma, as práticas artísticas na academia se alinham mais com o que Wendy Chun descreveu como "visões programadas", nas quais "os computadores sempre geram texto e imagens, em vez de simplesmente representar ou reproduzir o que já existe em outro lugar" (Chun, 2013, 17; ênfase original).

Ao comparar os protocolos da arte AI popular (PAIA) com os da academia, algumas considerações estéticas surgem. Um ponto de interesse é o papel da exploração criativa em comparação com o seguimento de protocolos fixos. De maneira geral, a exploração criativa parece ocorrer de forma diferente na PAIA em relação à arte AI profissional e à arte AI de festivais. Significativamente, uma vez que o modelo de imagem é treinado e totalmente desenvolvido — na academia por Le Brun, na PAIA por OpenAI, Stable Diffusion ou Midjourney — e os protocolos de correlação entre texto e imagem estão estabelecidos, o principal objetivo dos praticantes se torna o domínio e a aplicação desses protocolos, enquanto pouca atenção é dada à exploração da fase de treinamento que levou à construção desses protocolos.

Enquanto os artistas de IA profissionais e de festivais — de forma geral — exploram artisticamente e/ou criticamente a fase de treinamento dos geradores de imagens de IA (por exemplo, consultando bancos de dados, construindo conjuntos de dados de treinamento, ajustando modelos, interrogando as implicações sociais ou ambientais da IA, etc.), os artistas de PAIA utilizam modelos prontos para o uso. Assim, na PAIA, a exploração criativa se localiza na fase de inferência e foca em cumprir com os protocolos técnicos por meio da engenharia de prompts.

Quando observamos esse processo sob a perspectiva histórica da academia, isso se torna paradoxal, pois, como relatado por Montagu, a grande ênfase em fazer a arte visual transmitir histórias começou no início do Renascimento como uma tentativa de mover a pintura da categoria de trabalho manual para a categoria das artes liberais. Os pintores aproximaram suas obras da poesia narrativa porque “[a] poesia era aceita como uma arte liberal, então, se pudesse ser mostrado que a pintura também se preocupava em contar histórias, que cumpria as mesmas funções de instruir, deliciar e emocionar, então a pintura teria tanto direito quanto a poesia a essa posição cobiçada” (Montagu, 1994, 61). Esse esforço para provar que a pintura era uma arte liberal fundamenta a ênfase na “invenção”, a concepção e organização do sujeito do artista, em detrimento da execução e da arte. Isso explica a crença paradoxal de que Rafael seria um grande artista, mesmo que não tivesse mãos.

Importante destacar que esse pensamento reflete uma distinção entre a habilidade altamente valorizada de conceituar o conteúdo da obra e a atividade menos apreciada da execução. O mesmo raciocínio está em funcionamento nas plataformas populares de imagens geradas por IA, como demonstrado, por exemplo, na afirmação da Stability AI de que com o Stable Artisan bot "você pode transformar seus pensamentos em imagens deslumbrantes" (Stability AI, 2024), ou no incentivo da OpenAI para “[d]ar vida à sua imaginação” (OpenAI, 2024), ou ainda no incentivo do Canva para “[s]implesmente digitar um prompt, escolher um estilo e assistir suas palavras se transformarem em belas obras de arte” (Canva, 2025). Esses exemplos permitem que usuários sem habilidades artísticas criem, delegando a tarefa trabalhosa de execução para o gerador de imagens de IA. Mas, paradoxalmente, na PAIA (e na academia), o trabalho criativo de conceitualização ocorreu na fase de treinamento (quando as grandes empresas de tecnologia ou Le Brun curaram dados de treinamento e induziram vieses), enquanto usar o modelo final é uma questão de executar os protocolos já estabelecidos. Nesse sentido, as práticas dos artistas de PAIA — que lutam com a engenharia de prompts e utilizam filtros predefinidos em modelos de IA para criar a "imagem certa", mas não se envolvem no desenvolvimento do modelo — são comparáveis às dificuldades dos estudantes na academia, que foram treinados para combinar estados específicos de espírito nas figuras históricas/bíblicas que pintavam com uma produção visual específica, mas cujas possibilidades criativas eram estritamente limitadas a gêneros e motivos determinados pelo modelo de imagem de Le Brun.

No processo de execução dos protocolos estéticos, as ferramentas e os estúdios artísticos são relevantes. Para utilizar os modelos — para executar os programas de imagem — os estudantes da academia passaram por um treinamento que os capacitou a coordenar mentes, olhos, mãos, pincéis, etc., em seus estúdios, enquanto a grande maioria dos artistas de IA populares aprende a dominar os modelos de IA por meio de interfaces gráficas de usuário. Assim, em vez de usar uma API (“interface de programação de aplicativos”) para construir seus próprios estúdios, trabalhando no nível do código (o que o código aberto do Stability Diffusion permite), os artistas de PAIA assinam, por exemplo, o ChatGPT, Bing, DreamUp ou plataformas similares que oferecem interfaces gráficas destinadas a leigos. Porém, como analisado de maneira convincente por Chun (2013, Capítulo 2), as facilidades de uso dessas interfaces e a capacidade dos usuários de controlar opções predefinidas de interatividade (como digitar texto e receber imagens) significa que não se trata apenas de os usuários trabalharem na interface, mas também de as interfaces gerarem seus usuários. Portanto, enquanto os novos geradores de imagens de IA permitem que as pessoas sejam criativas apenas com o uso da linguagem natural (como por exemplo, o OpenAI 2025), isso pode não ser apenas uma questão de artistas de PAIA criarem novas obras de arte utilizando geradores de imagens de IA, mas também de as empresas por trás desses geradores gerarem novos usuários e assinantes, cujos dados podem ser extraídos, utilizando a “arte”.

É uma parte integrada do design das plataformas e da extração de dados abordar os usuários como artistas e incentivar a exposição das obras online, oferecendo uma integração perfeita de ferramentas, estúdios, galerias online e, principalmente, comunidade (DeviantArt é um exemplo disso). Esse caráter totalmente online da PAIA revela um paradoxo na relação entre criatividade, execução e controle.

A Realidade Afectiva: O Papel da IA na Fotografia Contemporânea e a Construção de Imagens

A avaliação das câmeras de smartphones, como a do Google Pixel 9, exemplifica um debate crescente sobre a natureza da "realidade" nas imagens geradas e capturadas por tecnologias avançadas. Na análise realizada por Chokattu, há uma ênfase nos parâmetros técnicos tradicionais da fotografia, como a fidelidade, a clareza e a nitidez. A tecnologia "Real Tone", em particular, busca apresentar tons de pele mais naturais, mas o crítico não deixa de apontar que o zoom óptico, em alguns casos, produz imagens que parecem excessivamente processadas, longe do realismo desejado. A questão fundamental, portanto, não é se a imagem foi processada, mas se ela parece ter sido alterada de forma artificial, gerando uma sensação de artificialidade no observador. O julgamento da "realidade" de uma fotografia, em última instância, repousa na sensação que ela transmite ao fotógrafo e ao espectador.

Este tipo de análise suscita uma questão interessante: como a inteligência artificial (IA) pode se integrar nesse universo da fotografia tradicional, que sempre buscou capturar a realidade de forma fiel? A expectativa de realismo visual no contexto da fotografia assistida por IA parece contraditória, pois, ao contrário da busca pela representação fiel da realidade, a IA se volta para a criação de imagens que muitas vezes transcendem o possível, caminhando na direção do surrealismo. Meyer observa que muitas das imagens geradas por IA, especialmente aquelas criadas com o software DALL·E, evocam uma fusão entre surrealismo e a estética convencional de fotografias de banco de imagens. Em grande parte, isso ocorre porque a IA aplica uma lógica de "sonho", combinando imagens de forma surpreendente e inesperada.

De fato, a IA, tal como DALL·E, vai além das convenções visuais tradicionais de composição e perspectiva. Ela não se limita a regras internas, mas sim recombina texturas e superfícies visuais, sintetizando elementos de maneiras que são únicas e, muitas vezes, inesperadas. O processo de "corte e escultura", como descrito por Zylinska, permite que essas imagens sejam desmontadas em elementos que podem ser lidos e reconstruídos por máquinas, criando o que se poderia chamar de "alucinações" – não das memórias falíveis dos seres humanos, mas da própria "imaginação" da IA.

Ao refletir sobre as análises da câmera Pixel 9, notamos uma peculiaridade: enquanto a avaliação técnica tradicional, que inclui a precisão das cores e a qualidade das lentes, ainda é relevante, a IA aplicada a essas câmeras não tem como foco principal a documentação da realidade, mas a criação de uma imagem que se ajusta a convenções visuais amplamente aceitas. O objetivo não é replicar o que foi fotografado, mas produzir uma imagem que corresponda a certas expectativas visuais e de composição. Essa noção de "realismo afetivo" foi claramente evidenciada nas avaliações de Allison Johnson, que destacou como a combinação de ferramentas de IA com as capacidades tradicionais da câmera cria um novo tipo de imagem: não a que foi capturada, mas a que foi idealizada, muitas vezes de forma inconsciente.

Esse novo paradigma fotográfico se baseia, portanto, na eliminação de detalhes "inconvenientes", criando uma imagem polida, idealizada. A indústria da fotografia sempre trabalhou para remover a frieza e a alienação associadas à visão mecânica da câmera, e em muitos aspectos, isso também tem sido o propósito da IA nas câmeras modernas. No entanto, essa eliminação de imperfeições e a busca por um realismo mais "emocional" não são neutras. Elas fazem parte de um movimento mais amplo, onde a emoção é utilizada como combustível para uma economia de dados, particularmente no contexto das redes sociais e da monetização da atenção.

O que é significativo, então, é a maneira como a promoção de dispositivos como o Google Pixel 9 enfatiza uma visão humanizada e emocional da tecnologia, ao mesmo tempo em que promove uma certa desconstrução da própria humanidade do usuário. Ao centrar a "imaginação" na máquina, em vez de no usuário, a narrativa publicitária sugere que a tecnologia possui um papel central no processo criativo, afastando, assim, a experiência do indivíduo da sua própria agência criativa. O conceito de "Reimagine" nos anúncios da Google é emblemático disso: a máquina (o telefone) não apenas captura imagens, mas também as imagina e cria, redefinindo a relação entre o ser humano e a tecnologia.

A partir disso, surge uma reflexão fundamental sobre o papel da tecnologia na formação da experiência humana. A IA e as ferramentas de imagem digital não são apenas instrumentos de criação, mas também agentes que moldam nossas percepções e experiências de mundo. A realidade afetiva que essas tecnologias criam não é apenas uma questão de estética ou de "realismo" visual, mas envolve uma reconfiguração do que entendemos por "real" em um contexto onde as fronteiras entre o humano e o não-humano se tornam cada vez mais fluídas. Em última instância, a fotografia, com suas raízes na captura fiel do mundo, agora se encontra em um ponto de inflexão, onde a realidade já não é apenas observada, mas simulada, manipulada e, muitas vezes, idealizada por algoritmos.

Como a Tecnologia Transforma a Realidade: Análise do Comercial "The Magic Is Back" do Google e a Percepção do Corpo e da Identidade Digital

No dia 13 de agosto de 2024, no mesmo momento em que as primeiras críticas sobre a série Pixel 9 começaram a ser publicadas, o Google lançou um comercial no YouTube intitulado "The Magic Is Back". Com um ritmo acelerado, uma montagem visual e uma trilha sonora imersiva – a música "I Want to Break Free", do Queen – o comercial apresenta uma experiência sensorial, na qual os limites entre o real e o virtual se desfazem. Se, por um lado, o conteúdo explícito tenta desmistificar a tecnologia, por outro, a forma do comercial evoca uma sensação de encantamento, que beira o espetáculo tecnológico.

O comercial de um minuto oferece uma jornada vertiginosa, com cenários diversos e pessoas deslumbrantes e descomplicadas, vivendo uma vida aparentemente perfeita. Ele começa com a representação de uma realidade cinza e monótona, onde os passageiros de um trem de metrô estão imersos em seus celulares, desconectados uns dos outros. Essa realidade – que remete à noção de uma sociedade apática, absorvida pela tecnologia – é, então, contrastada com um mundo de cores vibrantes e possibilidades ilimitadas, acessíveis apenas através do Pixel 9. Em certo sentido, é como se o anúncio operasse uma transição do “real” para o “fantástico”, uma mudança do mundano para o sublime, onde o celular se torna o portal para a autossuperação.

A frase “It is what it is” (É o que é) que se ouve na cena inicial do trem simboliza uma aceitação resignada da realidade – uma espécie de pragmatismo imutável. Esse estado de conformismo é imediatamente desafiado pelo Pixel 9, que, como prometido pelo slogan, “The Magic Is Back”. O celular não apenas se apresenta como uma ferramenta, mas como um agente capaz de transformar a realidade, ou ao menos a percepção que se tem dela. A frase que segue – “até que não seja” – indica o rompimento com a realidade crua e aceita, convidando o espectador a entrar no universo de possibilidades que a tecnologia proporciona. Essa promessa de “radical mudança”, embora sedutora, carrega consigo a nostalgia do que já foi superado, como uma crítica velada à obsolescência das tecnologias anteriores.

A parte central do comercial é marcada por uma sequência onde pessoas jovens e deslumbrantes, de diversas etnias, experimentam um mundo de festas, viagens e encontros. O anúncio sugere que a verdadeira felicidade e realização só são possíveis por meio do uso do Pixel 9, aludindo a um tipo de liberdade individualista que se configura na autossuficiência tecnológica. A promessa de felicidade imersiva lembra o filme "Matrix" (1999), onde a realidade construída pela inteligência artificial também oferecia um mundo de "auto-realização" individualista, embora de forma artificial e controlada.

O comercial busca não apenas vender um dispositivo, mas vender uma experiência, um espetáculo de maravilha tecnológica, tal como expõe Tom Gunning ao afirmar que a tecnologia moderna é projetada para nos impressionar, não tanto como ferramenta útil, mas como algo que nos assombra por sua capacidade de realizar o improvável. Nesse sentido, "The Magic Is Back" nos coloca em uma posição de espectador, onde, mais do que usar o celular, nos encantamos com suas capacidades. Ele se torna uma extensão do nosso desejo de nos sentir conectados a um mundo mais interessante, mais bonito e mais dinâmico.

Ao longo do comercial, o smartphone se torna um artefato mágico, capaz de transformar a realidade ao nosso redor. A manipulação de imagens, a criação de cenários alternativos e a possibilidade de “re-imaginar” o mundo visual ao nosso redor são apresentados como funções encantadoras, que são mais uma forma de exploração do potencial de nossa percepção sensorial do que uma utilidade concreta. A utilização da inteligência artificial no aparelho se reflete no espetáculo visual e sensorial, transformando a experiência cotidiana em algo maravilhoso e deslumbrante, como se a tecnologia fosse capaz de subverter as regras do mundo físico.

A relação entre imagem e realidade se torna cada vez mais fluida. A manipulação visual apresentada no comercial, como o exemplo do homem que circula uma cadeira no fundo de um vídeo, que posteriormente se transforma em um produto comercializável, exemplifica a fusão entre o consumo visual e o consumo material. A fantasia de criar e imaginar se torna cada vez mais acessível, mas também se entrelaça com a ideia de que o desejo e a criatividade não são mais apenas pessoais, mas mediados por sistemas tecnológicos que moldam o que consideramos real.

Embora o comercial use a música "I Want to Break Free" para evocar um senso de liberação e rompimento com as convenções, há um contraste entre a liberdade oferecida pela tecnologia e a liberdade verdadeira. O celular, ao se apresentar como a chave para um mundo novo, nos coloca em uma posição paradoxal: ao mesmo tempo em que nos oferece uma sensação de poder e controle, também nos prende a um novo tipo de dependência e conformismo, onde a percepção do real é mediada pelo dispositivo. A sensação de liberdade que ele promete pode, na verdade, ser uma ilusão, uma estratégia de marketing disfarçada de emancipação.

A partir dessa análise, é possível refletir sobre a maneira como a tecnologia nos afeta, não apenas no nível funcional, mas também no plano afetivo e perceptivo. A experiência que a tecnologia oferece não se limita ao uso de ferramentas para resolver problemas práticos, mas se expande para a forma como ela transforma nossa percepção de nós mesmos e do mundo à nossa volta. A realidade que vivemos é cada vez mais influenciada pela mídia e pelas plataformas digitais, que moldam nossos desejos, nossas interações sociais e até mesmo a maneira como nos vemos no mundo.

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