Perché scegliere i pastelli come mezzo espressivo nell’arte contemporanea?

I pastelli, spesso sottovalutati come semplici strumenti per schizzi, hanno attraversato una trasformazione radicale grazie all’opera rivoluzionaria di artisti come Edgar Degas. A partire dagli anni Settanta dell’Ottocento, il loro utilizzo ha cessato di essere confinato alla fase preparatoria, per diventare un linguaggio autonomo, potente e completo. L'intensità cromatica, l’immediatezza del gesto e la possibilità di fusione diretta tra materia e supporto hanno reso il pastello un mezzo prediletto da artisti come Toulouse-Lautrec, Renoir e Gauguin. Da allora, i pastelli non sono più rimasti relegati ai margini della pratica artistica, ma hanno assunto una posizione di rilievo, affermandosi per la loro capacità di esprimere emozione e spontaneità con una libertà che pochi altri strumenti riescono a eguagliare.

L’universo dei pastelli si articola in molteplici varianti, ciascuna con caratteristiche tecniche e percettive specifiche. I pastelli morbidi sono i più noti per la loro capacità di sfumatura: altamente pigmentati, si spezzano e si consumano facilmente, ma offrono una brillantezza insuperabile. La loro polverosità, però, richiede una pratica attenta, dove la stratificazione del colore avviene direttamente con le dita, e il risultato finale è il frutto di un continuo dialogo tra istinto e controllo.

I pastelli duri, al contrario, contengono più legante e meno pigmento, risultando più stabili e meno fragili. Sono ideali per i dettagli, le linee strutturali e le prime stesure. I pastelli ad olio, invece, eliminano completamente il problema della polvere: ricchi, corposi, vivaci, non si fissano ma rimangono sempre leggermente appiccicosi, rendendo necessaria una protezione attenta dell’opera finita. Inoltre, la loro consistenza permette tecniche incisive come lo sgraffito, in cui si graffia la superficie per far emergere strati sottostanti di colore, aggiungendo profondità e matericità all’immagine.

La scelta del tipo di pastello dipende non solo dalla sensibilità individuale dell’artista, ma anche dal soggetto trattato e dalla tecnica preferita. La versatilità del mezzo si manifesta nella sua applicabilità a ogni genere pittorico: dai paesaggi atmosferici alle nature morte, dalle astrazioni più libere ai ritratti di alta definizione. Il gesto diretto e manuale richiesto dai pastelli — dove la mano, senza intermediari, tocca il colore — rende questo mezzo particolarmente adatto a una pratica istintiva, intima e fisica.

Oltre ai pastelli stessi, l’equipaggiamento necessario è sorprendentemente essenziale: un supporto, un cavalletto, qualche nastro adesivo, carta da disegno adeguata (preferibilmente ruvida o sabbiata), e materiali comuni come taglierini o fissativi. Tuttavia, l’unico vero elemento imprescindibile è la cura del proprio spazio di lavoro. L’uso dei pastelli, specialmente quelli morbidi, produce inevitabilmente polvere fine, che può essere inalata o depositarsi sull’opera alterandone l’aspetto. Per questo, si consiglia sempre di lavorare in ambienti ben ventilati, in posizione verticale e proteggendo i disegni completati con carta da lucido o veline acid-free.

Un altro aspetto cruciale è la qualità del materiale: la differenza tra pastelli da studio e quelli professionali è marcata. I migliori pastelli sono quasi interamente composti da pigmento puro, e offrono una resa cromatica superiore, una maggiore durata nel tempo e una risposta più precisa sul supporto. Investire in meno pastelli ma di qualità elevata è spesso preferibile all’acquisto di set ampi ma mediocri. Ogni marca sviluppa proprie formule, che incidono sulla sensazione al tatto, sulla stesura del

Come Creare una Superficie Testurizzata per Disegnare con Pastelli: Tecniche e Consigli

Una volta trattato il legno, bisogna stendere uno strato di primer acrilico sulla superficie per prepararla all’applicazione del pastello. Il primer aiuta a ottenere un’applicazione più uniforme e permette ai colori di aderire meglio alla superficie. Una volta asciugato il primer, si può cominciare a lavorare con i pastelli, partendo dai toni più scuri per creare una base e coprire l’intera superficie del legno. È importante evitare di utilizzare colori troppo chiari inizialmente, poiché la base scura aiuta a definire meglio i toni successivi.

Quando si lavora con pastelli su una superficie di legno, è essenziale utilizzare una pressione media o forte per spingere il pigmento nel legno, in modo che i colori siano ben incorporati nella grana del materiale. Le tecniche di miscelazione ottica, in cui si sovrappongono strati di colori diversi per ottenere un effetto vibrante, sono particolarmente utili per aggiungere profondità e texture. In questa fase, si può applicare una leggera spruzzata di alcol denaturato per “incastonare” i colori e aumentare la vivacità della composizione. L’utilizzo di pastelli duri aiuta a definire meglio i dettagli e a miscelare i toni più morbidi, creando così un effetto di transizione graduale tra i vari strati di colore.

La costruzione dei livelli di colore continua con l’aggiunta di pastelli più morbidi per creare sfumature più leggere e per delineare i dettagli più delicati. Le luci, in particolare, devono essere trattate con attenzione per evitare che il colore diventi fangoso. In questi casi, un pennello a setole rigide può essere utile per sollevare il colore in eccesso, lasciando spazio ai punti di luce che daranno brillantezza alla composizione finale.

Uno degli aspetti più affascinanti della tecnica del pastello è la possibilità di lavorare con superfici irregolari. L’uso della tecnica dello "scumbling", in cui si applicano tratti leggeri e direzionali di pastello più chiaro, permette di creare un effetto di texture che lascia intravedere i colori sottostanti, aggiungendo varietà visiva e complessità all’immagine. In particolare, le pennellate irregolari sulle piume o sulle superfici rugose del soggetto possono essere enfatizzate con l’uso di pastelli più chiari, creando un contrasto con le aree più scure e modellando la superficie in modo dinamico.

Quando si cerca di rappresentare la pelle olivastra, la combinazione di rossi caldi e verdi morbidi offre una resa realistica delle ombre e dei punti di luce. Il viso e le mani sono spesso i luoghi più delicati da rappresentare, poiché sono fortemente influenzati dalla luce che varia in base alla posizione del soggetto. È essenziale non solo applicare i colori giusti, ma anche osservare attentamente la transizione tra ombre e luci per creare un effetto realistico.

Infine, quando si dipingono toni di pelle scura, è importante concentrarsi sulle variazioni sottili tra le ombre profonde e le luci brillanti, senza dimenticare l’importanza della luce diretta e della riflessione che può accentuare i dettagli del soggetto. Sebbene la pelle scura richieda una predominanza di toni caldi e terrosi, l’uso di blues e viola aiuta a creare una profondità visiva e a dare un’impressione di luminosità anche nelle aree più scure del volto o delle mani.

Il segreto di una buona tecnica con pastelli sta quindi nell’equilibrio tra la scelta dei colori, la loro applicazione sulla superficie e l’osservazione accurata delle sfumature di luce e ombra. Solo così è possibile creare un effetto di realismo che cattura non solo l’aspetto esteriore, ma anche l’essenza del soggetto ritratto.

Qual è l’importanza delle tecniche miste e degli strumenti nel disegno?

Il disegno è una delle forme d'arte più antiche e versatili, in grado di esplorare una vasta gamma di tecniche, stili e materiali. Ogni artista può scegliere di sviluppare un proprio linguaggio visivo, combinando il disegno a matita con altri mezzi espressivi, come il pastello, l'inchiostro, e le tecniche a base di acqua, che permettono di ottenere una varietà infinita di effetti e sfumature. L'importanza di queste tecniche risiede nella loro capacità di accentuare texture, forme e volumi, ma anche nell'arricchire l'interpretazione visiva della scena o del soggetto ritratto.

L'acquisizione della conoscenza di come manipolare questi strumenti è essenziale per il disegnatore. Ciò che è fondamentale non è solo l'abilità tecnica, ma anche la comprensione di come i vari strumenti e tecniche possano interagire tra loro. Ad esempio, i lavaggi a base d'acqua in un disegno possono sfociare in una rappresentazione più dinamica della superficie dell’acqua, mentre l'inchiostro, applicato con una linea decisa, può esprimere forza e stabilità, contrapposta a un lavaggio delicato. La padronanza di tecniche come il wet-in-wet o il wet-on-dry consente al disegnatore di ottenere effetti diversi e sfumature più complesse, soprattutto quando si lavora su supporti che interagiscono con l'umidità in modo diverso.

Alcuni artisti, inoltre, preferiscono lavorare con materiali non tradizionali, come il legno o la carta preparata in modi differenti, creando superfici che reagiscono in maniera unica alle diverse tecniche. Ad esempio, il disegno su legno con pastello o matite colorate può conferire una sensazione di calore e rusticità che altri supporti, come la carta, non sarebbero in grado di esprimere. Aggiungere texture al disegno è un modo efficace per elevare la rappresentazione di un soggetto, ma anche per dare vita a un'interazione più interessante tra il mezzo e la superficie.

Tuttavia, non bisogna dimenticare che ogni tecnica, ogni strumento, e ogni supporto sono anche legati alla percezione dell'artista riguardo al soggetto e alla sua visione creativa. È la capacità di unire le tecniche in modo equilibrato che porta il disegno a un altro livello. Saper scegliere e combinare strumenti, come la matita, l'inchiostro, il pastello e l’acquerello, permette di ottenere risultati visivi straordinari. Inoltre, una comprensione solida dei principi compositivi come la proporzione, la prospettiva e la distribuzione del peso visivo gioca un ruolo fondamentale nel garantire che l’opera finale non solo sia tecnicamente perfetta, ma anche esteticamente equilibrata.

Infine, va sottolineato che l’evoluzione tecnica non è fine a se stessa: un artista non dovrebbe mai perdere di vista la funzione espressiva del disegno. La scelta di un determinato approccio stilistico e l’utilizzo consapevole delle tecniche deve mirare a raccontare qualcosa di più, a comunicare una sensazione, una narrazione visiva che trascenda la mera rappresentazione. Questo non significa che la tecnica debba essere ignorata, ma piuttosto che essa diventa uno strumento al servizio di un'espressione più profonda.

Come scegliere gli strumenti per il disegno a matita e sfruttare le tecniche avanzate

Le matite di grafite sono state perfezionate nel corso dei secoli per rispondere a esigenze artistiche sempre più sofisticate. Il loro utilizzo risale al 1795, quando Nicolas-Jacques Conté, in Francia, scoprì il processo per produrre grafite, con un nucleo di grafite miscelato con argilla, che dava origine a matite con diverse caratteristiche di durezza. Queste matite, che possono essere affilate fino a un punto molto fine, sono ideali per tracciare linee precise, e possono essere facilmente cancellate, permettendo una notevole libertà nella correzione e nell'elaborazione del disegno.

La scelta della matita giusta è cruciale per ogni progetto. Le matite di grafite sono disponibili in una gamma di durezze, da quelle più dure, come l'8H o 9H, che producono tratti sottili e chiari, fino alle più morbide, come il 9B, che creano linee più scure e spesse. Le matite con nucleo morbido, contrariamente a quelle dure, sono più adatte per schizzi e per ottenere tonalità più ricche. Le matite di grafite sono anche disponibili sotto forma di polvere, che può essere applicata sulla superficie del foglio con un pennello o un panno per creare sfumature morbide e ombreggiature.

Un altro aspetto fondamentale da considerare nella realizzazione di disegni a matita è il tipo di superficie su cui si lavora. Sebbene il disegno possa essere eseguito su vari tipi di carta, la carta da disegno con una leggera texture è spesso la scelta migliore. Le superfici lisce permettono una maggiore fluidità nei tratti, mentre le superfici più ruvidi possono interferire con la continuità della linea. La carta pesante, tra 120 e 200 gsm, è ideale per lavori di dettaglio, mentre per tecniche di sfumatura e ombreggiatura, le carte con una texture più pronunciata si adattano meglio, poiché offrono una buona presa per la grafite e consentono un'ampia gamma di sfumature.

Quando si lavora con la matita, è essenziale fare pratica con i diversi gradi di durezza per comprendere come ciascuno di essi reagisce sulla carta. Si consiglia di provare a creare gradienti di tono con matite di diverse durezze per familiarizzare con le loro specifiche caratteristiche. Le matite più morbide (B) sono ideali per tratti più scuri e per creare ombreggiature morbide, mentre le matite più dure (H) sono adatte a disegni di precisione, dove ogni tratto deve essere nitido e definito.

Oltre all'uso delle matite, ci sono altri strumenti essenziali che ogni artista dovrebbe considerare. Gli gommini sono strumenti molto versatili che permettono di correggere il lavoro, ma anche di creare effetti di luce nel disegno. Un gommino morbido, ad esempio, può essere utilizzato per schiarire l'area desiderata, rimuovendo grafite senza danneggiare la carta. Esistono anche gommini impastabili che, grazie alla loro consistenza, permettono di sollevare la grafite dal foglio, consentendo di aggiungere luci e creare contrasto.

Per ottenere risultati davvero professionali, non è sufficiente scegliere solo gli strumenti giusti, ma è altrettanto importante saperli usare con consapevolezza. La grafite, ad esempio, si presta molto bene al "grattamento", che può essere ottenuto graffiando delicatamente la superficie del foglio per ottenere linee sottili e dettagliate. Inoltre, l’uso di stili di disegno diversi, come l'incrocio delle linee o il tratteggio incrociato, può essere efficace per creare texture e profondità.

Anche la conservazione dei disegni è un aspetto da non trascurare. La grafite non necessita di fissativi come il carbone, ma per preservare al meglio i disegni, soprattutto quelli che impiegano polvere di grafite o tecniche di sfumatura, può essere utile applicare un fissativo leggero per proteggere il lavoro. Il fissativo, se usato correttamente, impedisce che la grafite sbavi o si cancelli accidentalmente, ma deve essere scelto con attenzione per evitare che alteri i toni del disegno.

Infine, la scelta di un supporto stabile è essenziale quando si disegna su carta sciolta. Un buon supporto, come un tavolo o una tavoletta, è fondamentale per evitare che la carta si pieghi o si deformi durante il lavoro. Inoltre, è importante ricordare che, sebbene la carta da disegno sia adatta per una varietà di matite, le superfici troppo ruvide o troppo lisce possono influire negativamente sul risultato finale. Il tipo di carta gioca un ruolo cruciale nel determinare l’aspetto finale del disegno, influenzando l’effetto della grafite e la facilità con cui i toni vengono miscelati e resi.