Qual è il miglior supporto per i pastelli ad olio? Una guida alla scelta della superficie giusta per il disegno

I pastelli ad olio sono uno degli strumenti più affascinanti e versatili nel mondo dell’arte. La loro consistenza particolare, che li rende simili alla pittura, li rende ideali per esplorare effetti vibranti e sfumature intense. Tuttavia, come per qualsiasi medium artistico, la scelta del supporto gioca un ruolo fondamentale nell’ottenere il risultato desiderato. A differenza dei pastelli morbidi o duri, i pastelli ad olio richiedono una superficie che possa trattenere i pigmenti senza compromettere la vivacità e la consistenza del colore. Sebbene non necessitino di una fissazione immediata come i pastelli morbidi, l’uso di una vernice protettiva leggera può rivelarsi utile per evitare che il colore si stacchi o si sposti con il tempo.

La superficie giusta per i pastelli ad olio

I pastelli ad olio sono caratterizzati da una composizione che unisce pigmento, cera e olio, il che conferisce loro una consistenza morbida ma resistente. La scelta della superficie su cui lavorare è cruciale, poiché una carta troppo liscia non riuscirà a trattenere abbastanza pigmento, mentre una troppo ruvida potrebbe compromettere l’effetto finale. La superficie ideale è quella che ha una texture (denominata "dente") che consente ai pastelli di aderire senza scivolare via troppo facilmente.

Molti artisti scelgono carta speciale per pastelli, che offre la giusta combinazione di grana e resistenza, ma è possibile sperimentare con diverse superfici, come carte colorate, cartoncini, superfici testurizzate e anche legno. Quando si lavora con i pastelli ad olio, è importante considerare anche il peso e la forza del materiale. Una carta con un buon "dente" permette di stratificare i colori in modo efficace, favorendo effetti dinamici e ricchi.

I fogli di carta per pastelli disponibili in commercio sono spesso proposti in formati e spessori differenti. Esistono anche carte già trattate o preparate con gesso, che rendono la superficie ideale per l’applicazione dei pastelli ad olio. La carta di tipo sanded (con sabbia) è particolarmente popolare, poiché la sua superficie granulosa trattiene il pigmento e consente di applicare più strati senza compromettere la tenuta del colore.

Il ruolo del fissativo

L’uso del fissativo può anche diventare una tecnica creativa in sé, poiché permette di enfatizzare alcune aree del disegno e di ottenere effetti particolari. Ad esempio, si può usare il fissativo per scurire delle aree specifiche di un disegno, mentre altre rimangono intatte e luminose. Questo processo permette di giocare con i contrasti e le sfumature senza compromettere la vivacità complessiva dell’opera.

La protezione finale: conservazione e esposizione

Quando si tratta di conservare un’opera realizzata con i pastelli ad olio, è fondamentale proteggerla da polvere e danni ambientali. Le opere in pastello sono suscettibili di danneggiarsi se non vengono conservate correttamente. Per preservare la luminosità e l’integrità del lavoro, è consigliabile inserirlo in una cornice con vetro. Il vetro protegge l’opera da polvere, smog e danni accidentali, mantenendo intatta la qualità del colore nel tempo.

Se l’opera non è protetta da una cornice, può facilmente attirare polvere e sporcizia, danneggiando la superficie del pastello. Inoltre, se il disegno non viene fissato adeguatamente, i pigmenti potrebbero staccarsi, compromettendo la durata nel tempo.

La sperimentazione con il supporto

Esistono molte altre opzioni per la creazione di supporti personalizzati su cui lavorare. Ad esempio, alcuni artisti decidono di utilizzare legno primato o pannelli di gesso, creando una superficie unica e completamente su misura per le loro esigenze artistiche. In alternativa, è possibile utilizzare carte colorate che, insieme alla grana, possono influenzare l’effetto finale dei colori. La scelta di una carta di colore grigio, blu o verde può cambiare drasticamente l’impatto visivo del lavoro, creando atmosfere diverse.

Come ottenere verdi naturali e ricchi nei disegni a pastello?

L’arte di creare verdi convincenti non risiede nella semplice scelta di un singolo bastoncino di pastello verde, ma nella comprensione sottile della stratificazione cromatica, della relazione tra i colori e della texture della carta. Ogni miscela di verde è un atto deliberato di osservazione e di sensibilità, un’interpretazione pittorica più che una riproduzione meccanica della realtà.

Per ottenere un’ampia gamma di verdi, l’artista deve partire dalla combinazione dei gialli e dei blu presenti nella propria tavolozza. Anche quando le tonalità non condividono lo stesso valore, esse possono essere sovrapposte per produrre transizioni complesse. Un giallo caldo e un blu freddo, stratificati con delicatezza, generano verdi vibranti ma non innaturali, sempre condizionati dalla luce e dal contesto. Un aspetto essenziale è la sovrapposizione lenta, spesso appena suggerita, di uno dei due colori sull’altro, mantenendo la superficie ancora visibile per permettere la lettura visiva della doppia presenza.

Quando la base su cui si stratifica non è neutra, ma rossa o viola, i verdi ottenuti acquistano una qualità terrosa, più organica, meno artificiale. Un verde applicato sopra un rosso scuro diventa automaticamente meno saturo, più sofisticato. È questo contrasto cromatico a generare profondità e naturalezza. Le stesse regole si applicano nei casi in cui un verde medio venga applicato sopra una base porpora o un rosso violaceo: il risultato è un tono più maturo, spesso ideale per rappresentare vegetazione in ombra o elementi architettonici in contesto paesaggistico.

L’utilizzo di valori medi e scuri nei blu e nei gialli consente di lavorare su cieli, erba, acqua e tetti con coerenza tonale. Ad esempio, una copertura di paglia resa con un giallo scuro può essere raffreddata e neutralizzata attraverso l’aggiunta di un blu-viola, ottenendo una fusione cromatica che racconta l’atmosfera e non solo l’oggetto. La scelta dei valori non è solo una questione tecnica, ma narrativa: è il mezzo con cui si raccontano luce, umidità, distanza, stagione.

Non tutto, però, deve essere verde. Un momento fondamentale del processo creativo consiste nel distogliere lo sguardo dalle aree dominate dal verde per concentrarsi sulle zone complementari: il cielo, i tronchi, le pareti, i recinti. Questo passaggio consente di ristabilire un equilibrio visivo e mentale, e solo dopo questa pausa si può tornare sui verdi con occhio nuovo, correggendo valori, aggiungendo luce, intensificando le ombre o neutralizzandone l’eccessiva vivacità.

Il controllo finale comporta un esame attento dei contrasti più forti e dei punti luce: qui si introducono i tocchi definitivi, quelli

Come la scelta della carta e il colore influenzano il risultato nel pastello

La texture e il colore della carta rappresentano elementi fondamentali nella tecnica del pastello, influenzando profondamente l’aspetto finale dell’opera. Una carta maggiormente abrasiva, come quelle sabbiate, accetta una quantità maggiore di pigmento, permettendo di stratificare i colori e di ottenere tonalità più intense. Le superfici ruvide, infatti, creano un effetto di colore “spezzato” che aggiunge vivacità e trama al disegno, mentre carte con una grana più fine favoriscono transizioni più morbide e sfumate.

L’uso dei colori complementari accanto tra loro è una strategia efficace per dare risalto e profondità al disegno. Accostando tonalità opposte nel cerchio cromatico, come il rosso e il verde o il blu e l’arancione, si crea un effetto di “vibrazione” ottica che intensifica la brillantezza di entrambi. Tuttavia, un bilanciamento attento è indispensabile: un uso eccessivo può risultare eccessivo o disturbare l’armonia complessiva dell’immagine. Questi contrasti cromatici, se gestiti con sapienza, non solo attirano l’attenzione su punti specifici del disegno ma collegano anche gli elementi in modo fluido, guidando lo sguardo dell’osservatore attraverso la composizione.

Per realizzare una profondità realistica, si inizia spesso con una bozza approssimativa e l’uso di un colore medio di base, che definisce la composizione e le masse principali. Successivamente, si procede con la sovrapposizione di colori più intensi e la definizione di luci e ombre, sfruttando le proprietà della carta e la stratificazione dei pastelli. È utile ricordare che il calore e la freddezza dei colori influenzano la percezione spaziale: i toni caldi tendono ad avanzare verso l’osservatore, mentre quelli freddi recedono, creando così un senso di profondità e distanza.

La comprensione profonda di questi elementi tecnici è essenziale per un artista che lavora con i pastelli: la carta non è solo un supporto, ma un co-creatore dell’immagine. La sua grana, il colore, la capacità di trattenere il pigmento e la reazione ai colori applicati sono fattori che condizionano ogni scelta artistica e il risultato finale. Inoltre, il dialogo tra colori complementari e l’attenzione al rapporto tra tonalità calde e fredde costituiscono gli strumenti principali per ottenere un’opera vibrante, armoniosa e ricca di profondità.

È importante considerare che, oltre alla tecnica e ai materiali, il modo in cui l’artista percepisce e manipola questi aspetti determina la qualità espressiva dell’opera. La stratificazione, il bilanciamento cromatico e la scelta del supporto devono essere adattati alle intenzioni comunicative e allo stile personale, facendo sì che ogni elemento contribuisca in modo coerente e significativo alla narrazione visiva.